Les vidéos du
manuel de survie du vidéaste

Comment découper une scène en plans : les trois valeurs (large, moyen, serré), le champ contrechamp et les usages du hors champ. Avec le découpage classique d’une scène et mes conseils pour un montage rythmé.

Le plan d’exposition et la bidouille du stock-shot pour tricher la localisation d’une scène sans budget (New York filmé à Paris, aéroport recréé). Avec des exemples au cinéma (Friends, Michael Bay, Blade Runner) et l’astuce pour filmer un hélicoptère sans en avoir un.

Comment composer son cadre : la règle des tiers, la hauteur des yeux, la contre-plongée et la plongée pour créer un rapport de force entre personnages. Avec la bidouille du topshot gratuit sur Google Earth et le dutch angle pour traduire un malaise.

La bidouille de la contre-plongée pour filmer une scène d’époque en extérieur sans budget, en cachant les éléments modernes au sol. Avec l’exemple du Pont des Espions de Spielberg et l’astuce du zoom pour réduire l’angle de vision.

La règle des 180° pour filmer un dialogue et faire se croiser les regards, avec ou sans amorce, symétrique ou non. Avec l’analyse de la scène culte du Silence des Agneaux entre Hannibal Lecter et Clarice Starling.

Panoramique, travelling avant/arrière/circulaire/vertical/latéral et zoom : tous les mouvements de caméra et leur signification narrative. Avec le transtrav (effet Vertigo) popularisé par Hitchcock dans Sueurs Froides.

Caméra portée ou machinerie (travelling, steadicam) : ce choix ne dépend pas du budget mais du contrôle qu’on veut donner au personnage. Avec l’exemple de Fight Club, Captain Phillips et la scène du poker empoisonné dans Casino Royale.

Tous les types de cut (dans l’action, dans l’axe, de regard, de direction), le jump cut et les trois fondus (enchaîné, au noir, au blanc) au cinéma. Premier épisode d’une série de 5 sur les transitions.

Le match cut (visuel, de mouvement, sonore) et le volet, cette transition géométrique signature de Star Wars, avec sa variante invisible. Avec l’analyse d’une scène de Hot Fuzz d’Edgar Wright qui combine toutes ces techniques.

Le cut filaire (whip pan) pour une coupe invisible en faux plan-séquence, et le crash-zoom pour raccorder deux valeurs de plan sur la même action. Avec la bidouille pour simuler un lancer de couteau sans risque, comme dans Pirates des Caraïbes.

Le snatch, cet enchaînement de gros plans popularisé par Guy Ritchie, pour changer de décor sans budget ou installer une répétition comique. Avec la règle de trois et des exemples tirés de Requiem for a Dream et Don Jon.

J-Cut, L-Cut et Smash Cut : les trois raccords sonores au montage, et leur usage pour créer des jump scares au cinéma. Avec des exemples tirés de Stranger Things, Whiplash et Insidious.

Tous les usages du split screen : présenter des personnages, accentuer le suspense, filmer un appel ou illustrer une pensée. Avec la bidouille de montage de David Fincher pour changer la prise d’un seul acteur sur un plan fixe.

Comment cloner un acteur à l’écran : split screen, masque After Effects, face replacement et motion control. Avec l’exemple de Friends (Phoebe et Ursula), The Social Network et Harry Potter.

Filmer une scène de combat crédible sans cascadeur : caméra épaule, obturateur élevé et bidouille du zoom pour feinter les coups. Avec Jérome Niel et Gael Mectoob.